Hay cuatro maneras de componer una foto con luz, cada una sancionada y puesta de moda en un momento concreto de la historia del arte.
Hay una composición sin luz, donde los tonos son planos y el sombrado no está producido por la iluminación sino para sugerir redondez. Es la pintura medieval donde la luz solo aparece para representar la presencia de Dios. Es la pintura notan japonesa.
Hay una composición de luz frontal en planos de profundidad, donde la luz aparece como planos extendidos de lado a lado y con distinto valor tonal según se alejan del primer término. Es la composición del renacimiento donde por regla general se da más luz a los primeros términos que al fondo. El sentido que quiere dársele es el de el hombre como centro del mundo, una sociedad contenta consigo misma.
Hay una composición de luz lateral, en la que la luz entra por uno de los laterales del cuadro. Es la luz del claroscuro, típica del barroco. El mundo se ha trastocado, el hombre ya no es el centro, el mundo debe ser alumbrado desde el exterior, Dios no está con nosotros, está fuera y nos ilumina. La luz rasga la oscuridad y deja ver solo lo que el pintor quiere que veamos, el mundo es el reino de las dudas, de brumas y crepúsculos y los sueños se confunden con la realidad.
Hay una composición de luces irradiantes en las que un foco situado en cuadro extiende su luz sobre su alrededor. Es la luz que vamos a experimentar en la pintura postbarroca. Sigue siendo una luz que rasga la oscuridad y que trata de romperla, de vencerla, pero que ahora nace del mismo mundo del hombre. Es la aportación luminosa de la ilustración que expresa la capacidad del hombre para intervenir y conocer el mundo con su actividad intelectual y manual. Un mundo en el que no necesita de un dios que lo explique.
Tras el periodo neoclásico no hay aportaciones destacables en la iluminación sino reutilizaciones de las ideas, muchas veces desprovistas ya de la lectura contextual de la época en que más se emplearon.
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